En blanc

16/02/18
Sala Apolo 3 (C/Nou de la Rambla, 113 Barcelona)

En Blanc (En Blanco) es un proyecto que vincula arte, tecnología y música. Nace con el objetivo de introducir, por primera vez, el arte contemporáneo en la mítica Sala Apolo, acercándose a su público habitual y haciendo que la obra interactue tanto con el espacio, como con las personas que lo visitan.

Mónica Riki? presenta unas pantallas aparentemente en blanco. Gracias a un hack y a unas gafas, diseñadas por Alejandra Mata y Marta Minguell, el espectador tendrá una experiencia única e individual en la cual los visuales de David Galar i Gerard Mallandrich le permitirán escuchar música inexistente, creando de este modo la obra Sonidos ciegos, visuales sordos.

La interacción es una condición sine qua non para poder desvelar el contenido. Sin el gesto de la mirada, no hay obra. Mirar a través de las gafas especiales implica una experiencia individual en cada caso. Resulta imposible compartirla, fotografiarla o mostrarla. En este sentido, la individualidad frente a una pantalla y la relación que se establece con ella es similar a la que existe cuando se juega a un videojuego: solo lo vive uno mismo. Esta manera de vivir un instante realmente privado altera la sociedad de la información en la que vivimos, donde todo es compartido, expuesto, y genera la necesidad (irreal) de compartir con el mundo todo aquello que se vive.

¿Y qué es lo que esconden las pantallas? Onomatopeyas escritas, animadas de tal manera que acaban por crear una música dentro la cabeza del espectador. Algo inexistente en lo que al sonido se refiere, pero perceptible a través de la vista. Es decir, serán las gafas, y no los auriculares, las que generarán el ritmo. Estas onomatopeyas en danza nos llevarán al tarareo de una canción o de un ritmo que acudirá a nosotros de forma espontánea al visualizar las pantallas. Su estética dura encaja con la ambientación industrial de la Sala 3 y propicia un clímax propio de club, pero formalizado desde el arte contemporáneo.

Gracias al carácter interactivo de Sonidos ciegos, visuales sordos, la obra funciona por sí sola dentro de las paredes de la Sala 3 y juega con el carácter lúdico que hace especial a la Sala Apolo. El proyecto permite la convivencia de aquello público y aquello privado por el hecho de tener una experiencia individual en una sala siempre llena de gente. Junto con el oxímoron de percibir el ritmo musical a través de la vista, se agrupan una serie de contradicciones que proporcionan una experiencia inmersiva y única.

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Art.gif

03/03/17
http://artgifexhibit.com/

En la exposición virtual ART.gif se han seleccionado 90 GIFs creados por artistas, ilustradores y diseñadores de todo el mundo que han adoptado este formato dentro de su práctica.

El GIF animado (Graphics Interchange Format) es el archivo que une arte, publicidad y sentido del humor. Ha ido evolucionando desde una función meramente decorativa y publicitaria dentro de las primeras webs hasta la actualidad, donde las redes sociales lo han hecho resurgir asociado a humor inmediato y fugaz.

La exposición supone una reflexión sobre sus nuevos usos artísticos, a menudo experimentales. Se trata de pequeñas animaciones propias del nuevo paradigma comunicativo que nacen de manera intrínseca de la cultura digital. Se consumen con inmediatez y funcionan por sí solas como micro obra. Igual que el arte urbano, las obras en GIF no pueden desligarse de la cultura libre, hechas para compartir de manera viral e ilimitada.

Los GIF seleccionados se ordenan según los géneros de la historia del arte como son el dibujo, la escultura y la fotografía; los cuales se transforman en animaciones, renders 3D y cinemagraphs una vez se llevan al terreno del GIF. Se trata de una recopilación representativa de los GIFs de arte que hay en este momento en la red, una selección tan ampliable y mutable en el tiempo como su medio.

Artistas:

A.L. Crego, Akif Kaynar, Ana Cuna & Luis F. Sánchez, Anna Salmi, Bill Domonkos, Carl Burton, Charlotte Smith, Chris Phillips, Christina Lu, Christina Rinaldi, Clara Luzian (Render Fruit), Clemens Reinecke, Cory Livengood, Damon Scheleur, Dan Hudson, Daniel Harper (B/±DCODEC), Daniel McFarland, Dave Whyte, David Dope, EJ Hassenfratz, Eltons Kuns (theycallmeelton), Erdal Inci, Esteban Diacono, Fabian Denter, George Redhawk, German Gonzalez, Guillaume Kurkdjian, Gustavo Torres (Kidmograph), Hayden Zezula (Zolloc), Helen Green, Ibon Mainar, Ioana Harasim, James Whatley, JeanPierre Le Roux, Jelena Kostic, Jelly London, Joe Maccarone, Jon Jacobsen, Karenina Romez, Kevin Burg & Jamie Beck, Kevin J. Weir, Kostas Agiannitis, Krishna Kumar, Kuba Matuszczak (Turbolenz), Latham Arnott, Lilli Carré, Stefan Grimm (LS5), Magoz, Maori Sakai, Marie Edwards, Marius Krivicius, Mark Pearson, Mathew Lucas, Matjaz Tancic, Matt Corbin, Matt Powell, Matthew DiVito (mr. div), Matthieu Bourel (EK Dojo), Micael-Reynaud, Mike Martin & Roger Young Jr., Mikolaj Kula, MiRon, Nancy Liang, Nicolas Ménard, Nicolas Monterrat, Oamul, Oleg Beresnev, Patakk, Rebecca Mock, Reed + Rader, Robin Davey, Romain Laurent, Rrrrrrrroll, Ryan Gordon, Sam Cannon, Sasha Katz, Sheep Films, Simon McCheung, S|PyroGif, Stefanie Schneider, Sumie Garcia, Tiago Almeida, Tilen Sepi?, Tony Babel, Typical Hope, Uno Moralez, Vincent VIRIOT, Vladimir Marchukov & Dmitry Stolz, Yukai Du, Zack Dougherty.

Art.gif títol
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Encreuaments

28/05/15
La Poderosa (C/ Riereta, 18 2º 08001 Barcelona)
Loop Festival 2015

Ooze presenta Siroi Mura (2014), una obra de Alba G. Corral representada por la agencia Alpha-ville. Un trabajo que construye, mediante código generativo, imágenes digitales de clara tradición pictórica. La pieza consta de dos videos: en el primero la imagen se crea a partir de la música, compuesta por Odil Bright, y en el segundo al revés: el sonido se modifica basándose en la imagen.

La artista trabaja dentro del ámbito del Live Cinema, donde el sonido y el video actúan como complementarios y sumergen el espectador en el mundo de las sensaciones. La imagen y el sonido, dos ámbitos a veces muy separados, se fusionan, yendo más allá de la simple interpretación. Siroi Mura es una pieza casi sinestésica en el límite entre videoarte y los visuales de entretenimiento que demuestra como el Live Cinema amplía las posibilidades del videoarte y, por lo tanto, del arte actual.

Surgen, así, nuevas maneras de consumir cultura que nos llevan a cuestionar el coleccionismo tal como lo hemos entendido hasta ahora. ¿Se puede considerar el encargo de una pieza de vídeo una forma de coleccionismo? ¿Hasta qué punto se puede coleccionar una obra pensada para su disfrute en tiempo real? ¿Supone una forma eficaz para el desarrollo del trabajo de un artista? ¿Son dos fórmulas que pueden coexistir?

El objetivo es sacar la obra de su hábitat natural, presentándola en un lugar de artes escénicas, La Poderosa, para observar todos los cruces que presenta: imagen y sonido; pintura y mundo digital; arte y entretenimiento; coleccionismo y encargo. Un híbrido que deja entrever la tendencia del arte actual y qué cuestiones plantea.

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In/Visible

24/11/15
El Palomar (C/ Elkano nº43 Bis Àtic 08004 Barcelona)
Colaboración con El Laboratori Smith, Sala d’Art Jove y MNAC

Ismael Smith fue un artista polifacético que tenía una vida aceptada públicamente y otra más controvertida, como muchas otras personas a lo largo de la historia. In/Visible es un un mapa visual: a medio camino entre la obra artística y el comisariado, agrupa algunos de los trabajos clave de Smith mostrando, el amplio espectro que abarca su vida y obra.

¿Por qué Ismael Smith? En la jornada No es que s’hi estigui més bé al llit quan plou, es que a fora s’hi està pitjor nos centramos en desglosar la vida, obra y misterios de este artista maldito del siglo pasado, figura principal del archivo-laboratorio creado por El Palomar gracias a Sala d’Art Jove y en colaboración con el Museu Nacional d’Art de Catalunya. Josep Casamartina i Parassols, historiador, crítico y comisario especializado en arte e indumentaria de los siglos XIX y XX nos acompañó en calidad de experto en Ismael Smith para hablarnos sobre su investigación.

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Ideas para nada

10/12/14
http://ideasparanada.tumblr.com

Ideas para nada es una intervención artística participativa. Un mensaje se muestra en las servilletas de papel de cafeterías y bares tranquilos de Barcelona, espacios lúdicos que son al mismo tiempo un punto de reunión y desconexión momentánea. El artista Enrique Lista pide en su mensaje que las personas dibujen o escriban una idea improductiva en ese trozo de papel y la compartan mediante una fotografía en las redes sociales, con el objetivo de generar una colección de ideas desechadas. Ideas que, de otro modo, se perderían en el olvido.

Lista cuestiona los discursos cotidianos ya legitimados en la sociedad y el arte actual, discursos precarios llenos de paradojas. El proyecto Ideas para nada da lugar a lo no legitimado y reivindica esas ideas desechadas que toda persona puede tener. Se inspira en la tendencia actual de valorar las ideas sólo desde un punto de vista económico y comercial: una idea sólo es buena si produce dinero, y se considera un bien transferible. Inmersos en una crisis que no acaba, no deja de ser paradójica esta mercantilización de les ideas en la que la rentabilidad es una obligación incluso para el plano mental.

En esta sociedad el papel del emprendedor es el del héroe, el generador de ideas productivas. Su dinámica vital tiene un nexo de unión con la del artista, los dos viven para sus ideas y su negocio las 24 horas. Curiosamente, esta dedicación absorbente al trabajo y la creatividad constante, se ha instalado en el imaginario social como algo romántico. Este nuevo modelo de trabajador asume en solitario toda la incertidumbre y los problemas que puedan aparecer, como lo ha hecho siempre el artista, pero ahora se nos presenta con cierto glamour. A la práctica, todos sabemos que esto significa la legitimación de unas condiciones laborales precarias.

Ideas para nada invierte el concepto de “da lo mejor de ti mismo” para quedarse con las sobras, las ideas desechadas, olvidadas y por tanto consideradas improductivas. Nos recuerda la capacidad que tenemos las personas por imaginar, más allá de en qué contexto estemos inmersos y de las presiones o exigencias que haya para crear. Da por válidas todas las ideas, sin catalogarlas como peores o mejores. Apuesta por la capacidad de dejarse llevar entre pensamientos e ilusiones, lucha por las ideas que por un instante parecen ser geniales, y rinde homenaje a todas aquellas ideas que en algún instante surgieron de nuestra mente.

Ideas para nada
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Acte commemoratiu

12/03/14
33/45  (Joaquín Costa, 4, 08001 Barcelona)

En el proyecto Acto conmemorativo Barcelona es el denominador común de los trabajos de Federico García Trujillo y MawatreS. Ambos ponen de manifiesto una transformación basada en la destrucción de unos espacios para hacer otros nuevos, el pasado dentro de una Barcelona presente. Mientras uno recuerda los fusilamientos en el Camp de la Bota, el otro incide en aquellos barrios que se han querido transformar bajo el famoso eslogan “Barcelona ponte guapa” y hace ver que pocos años atrás eran espacios con un aspecto y una dinámica totalmente distinta.

Federico García Trujillo examina el Fòrum de Barcelona, antes Camp de la Bota, donde murieron más de 1718 personas fusiladas durante la Guerra Civil y hasta 1952. Se apropia del espacio para escribir in situ cada uno de los nombres completos de los fusilados. Es una acción performativa de fuerte carga simbólica que revive los hechos ocurridos a través del esfuerzo del artista. El Fòrum, polémico por su escasa función hoy en día y por el fracaso económico que supuso en 2004, es testigo de una ciudad que en ocasiones entierra su pasado con grandes actuaciones arquitectónicas y urbanísticas. La escritura en papel y lápiz del listado completo de los fusilados es una acción que nos hace reflexionar sobre el presente y evita que el cemento del Fòrum tape por completo nuestra memoria.

Tapar, derribar y construir algo nuevo. La intervención de MawatreS también habla a Barcelona, ciudad que se ha convertido en el aparador perfecto para el turismo, destruyendo la esencia, los matices y la espontaneidad de muchos de sus lugares resultando cada vez más lejana a sus ciudadanos. La intervención se basa en el lenguaje callejero de colgar unas zapatillas de los cables eléctricos como señal de algo. Mawa coloca estratégicamente unas delicadas zapatillas de cerámica hechas a mano en lugares que han sufrido una intensa transformación. Planes políticos y edificios descontextualizados son el rastro de una institucionalización que esta haciendo desaparecer lo que de verdad dio fama a Barcelona: cultura urbana, libertad.

Los dos artistas trabajan en clave política cuestiones que afectan tanto al pasado como al presente de la ciudad. La memoria colectiva de una Barcelona que muere de éxito y de otra que fue liquidada por ideología. Unas zapatillas hechas monumento de otra Barcelona, hoy en vías de desaparición, y un Fòrum monumental que no conmemora nada. Dos acciones que, dentro de una ciudad que ha querido modernizarse tanto en tan poco tiempo, reivindican la no institucionalización de todo lo espontáneo y manifiestan la vacuidad de los actos oficiales.

expo Acto Conmemorativo
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